Шпаргалки для студентов

готовимся к сессии

  • Увеличить размер шрифта
  • Размер шрифта по умолчанию
  • Уменьшить размер шрифта

Ответы на билеты по истории искусств. Часть 2 - Расцвет испанского искусства XVII века

Печать
Индекс материала
Ответы на билеты по истории искусств. Часть 2
Древний китай
Период Чжаньго
Средневековый Китай (4-19 вв.)
Искусство Древней Японии в его главных достижениях.
ЭСТЕТИЧЕСКИЕ ПРИНЦИПЫ И ДОСТИЖЕНИЯ ИСКУССТВА ЭЛЛИНИЗМА
Эллинистическая Греция
Характерные черты и основные направления развития искусства дороманского периода.
Характерные черты и отличительные особенности искусства романский период
Средневековое западноевропейское искусство как особая ступень ми­рового художественного развития
Леонардо да Винчи
Рафаэль Санти
Микеланджело Буонарроти
Джорджоне, Тициан
Позднее Возрождение. (с 40-х гг. 16в.)
Специфика развития художественного стиля Нидерландов в эпоху Возрождения.
Искусство итальянского барокко ХУП вв.: особенности развития и характеристика специфических черт.
Расцвет испанского искусства XVII века
Основные черты развития фламандского искусства XVII века.
Специфика развития голландского искусства XVII века
Рёйсдал
Харменс ван Рейн Рембрандт
Все страницы

 

Расцвет испанского искусства XVII века.

 

Расцвет испанской культуры: литературы и театра (освященных именами Сервантеса и Лопе де Вега), а затем живописи - не совпал с периодом наивысшего экономического и политического могущества Испании (XV) и наступил несколько позднее. «Золотым веком» испанской живописи является XVII век, а точнее - 80-е годы XVI - 80-е годы XV11 столетия.

Для испанского искусства было характерно преобладание тра­диций не классических, а средневековых, готических. Огромная роль маври­танского искусства в связи с многовековым господством арабов в Испании.

У испанских художников было два основных заказчика: первый - это двор, богатые испанские гранды, аристократия, и вто­рой - церковь. Роль католической церкви в испанской школе живописи была очень велика. Под ее влиянием формиро­вались вкусы заказчиков. Религиозные идеи воспринимаются очень конкрет­но в образах реальной действительности, чувственный мир удиви­тельно уживается с религиозным идеализмом, а в мистический сюжет с народным. В испанском искусстве идеал национального героя выражен прежде всего в образах святых.

Блестящий расцвет живописи начинается с появлением в Ис­пании в 1576 г. живописца Доменико Теотокопули, прозванного Эль Греко (он был греческого происхождения). До Испании Эль Греко учился в Италии у Тициана (именно в Венеции он впервые узнал масляную технику), изучал в Риме произведения Микеланджело. Он основатель и глава толедской школы, пишет пре­имущественно по заказу монастырей и церквей Толедо. Как художник он сложился рано. Истоками творчества была византийская монументальная и станковая живопись (иконы и мозаики); из итальянского искусства – Тициан, а в Испании - Луис Моралес. Тематика - религиозны сюжеты («Взятие под стражу», «Моление о чаше», «Святое семей­ство»), чаще всего - алтарные образа. Значительно реже он обращается античным мифам («Лаокоон»). Он пишет много портретов и пейзажей, в основном виды Толедо. Его картины на сюжеты, исполь­зованные уже многими художниками до Эль Греко, производят неожиданное впечатление. Герои Эль Греко «вкушают радость страдании», находятся в состоянии крайней взволнованности, эмоционального напряжения. Это возбуждение, беспокойство, напря­жение передается цветом. Дневной свет ему мешал, пишет при искусственном освеще­нии.

Лица героев Эль Греко всегда удлиненные, аскетические, глаза посажены асимметрично и широко открыты. Его портреты высшей кастильской знати все чем-то похожи друг на друга, они полны напряжения сложной духовной жизни. В пейзажах, изображающих обычно Толедо в грозу, во вспышках молнии. Эль Греко подчеркивает ничтожность человека перед силами природы. В своеобразном и выразительном искусстве Эль Греко много мистики, даже ложной патетики, что позволяет многим исследователям относить его к художникам маньеристам. Лучшее - это большое влияние на формирование живописи Испании в XVII в.

 

«Золотой век» испанской живописи -  Франсиско Рибальт, Хусепе Рибера и Франсиско Сурбаран.

Монументальные образы святых Рибальты (1551-1628) всегда строятся на знании конкретной модели, несут определенные черты портретности. Пастозное письмо, интенсивные цвета - много общего с письмом Караваджо («Апостол Петр», «Евангелист Лука»). Испанских художников первой половины XVII в. роднит с Караваджо и интерес к жанровом живописи (трактир, харчевня, лавка).

На ранних этапах в творчестве Хусепе Риберы отчетлив интерес к ярко индивидуальному, конкретному, пусть даже уродливому. Он предпочитает темный фон, насыщенные густые тона, красноватые в тенях. сложные ракурсы фигур («Св. Себастьян»). Его библейские и еван­гельские персонажи - простолюдины, но всегда полные достоин­ства, мужественные и гордые. Предпочитает изображать сцены мученичеств; в них ярче предстает нравственная сила героев. Драматиче­ские сюжеты толкуются без внешних эффектов. Это характерно даже для тех персонажей, в которых мастер подчеркивает уродливые черты. Например, в известной картине «Хромоножка» жалкий маленький калека изображен художником с большой теплотой, в нем подчеркнуты его веселость, лукавство, озорство, а ракурс несколько снизу делает его изображение монументальным, придает ему величественность.

Расцвет творчества Риберы относится к 30-40-м годам. Меняется манера. Живопись становится светлее, колорит - тоньше, тени - прозрачнее, исчезают резкие светотеневые контрасты, все как бы наполняется воздухом. Образы становятся более выразительными (чистый и красивый образ «Св. Инессы» - юной христианки, отданной на поругание толпе, но спасенной Богом, явившим одно из своих чудес).

Севильской школе принадлежит творчество Франсиско Сурбарана (1598-1664). Заказчиком Сурбарана была церковь, главными персона­жами - монахи. Спокойные, важные, благочестивые, они пред­ставлены обычно в рост, в белых одеждах на темном фоне, в застылой, статичной позе, что сообщало им оттенок вечного, незыблемого («Св. Лаврентий» с сим­волом мученичества -жаров­ней в руках). Приблизительно до 30-х годов в почерке Сурбарана сказывается влияние караваджизма: в плотности и темном цвете красок, в светотеневых контрастах. Живопись зрелого Сурбарана совершенно самосто­ятельна и свободна от каких-либо влияний. Образы полны одухотворенности, вели­чия, ясности и простоты. Лако­низм и выразительность пласти­ческих средств осо­бенно прослеживаются в его на­тюрмортах. Сурбаран создает по­истине монументальный образ «мертвой природы» в своих чистых по краскам и строгих по формам натюрмортах.

 

Самый замечательный художник «золотого испанского века» - Диего Веласкес (1599-1660). Первые самостоятельные работы мастера показывают его интерес к жанру бодегонес («За­втрак», «Водонос»). В этих работах Веласкес передано глубокое уважение к людям из народа. Интересно, что у Веласкеса почти отсут­ствуют произведения на религиозные сюжеты, а те, которые он избирает, трактуются им  как жанровые сцены («Христос в гостях у Марии и Марфы»). В 1623 г. Веласкес -  в Мадриде - придвор­ный художник короля Филиппа IV (40 лет).

В конце 20-х годов Веласкес пишет картину на мифологический сюжет «Вакх в гостях у крестьян», или, как ее чаще называют, «Пьяницы», ибо Вакха окружают подвыпившие испанские бродяги. Мифологическую сцену Веласкес трактует как бодегонес. Возвышен­ное и низменное перемешалось. Широкая моделировка формы, контрасты света и тени, золотистый тон - все это черты караваджизма, однако в картине есть уже нечто такое, что будет характерно только для Веласкеса ( влияние Рубенса, дружил с Веласкесом).

В середине 30-х годов Веласкес пишет картину «Сдача Бреды» (или «Копья»), посвященную един­ственному победному событию в бесславной для испанцев борьбе с голландцами, - произведение уже вполне сложившегося и боль­шого мастера. Новаторство в самой композиции батальной сцены - без аллегорических фигур и античных божеств, побежденные голландцы представлены с чувст­вом достоинства, что и победители – испанцы

Утверждение достоинства личности - основная черта портрет­ной живописи Веласкеса ( портреты Филиппа IV, его детей, графа Оливареса и мн. др. придворных). Веласкес по праву считается одним из создателей парадного, репрезентативного портрета. Изображения его монументальны, ла­коничны и глубоко выразительны по средствам. Свойственны благородство и мера. Эти качества сказались и в портретах шутов (карлик «Дон Антонио», «Идиот из Корин»). Все эти несчастные, развле­кающие двор, переданы художником с большим тактом, достойны­ми уважения и сочувствия.

В последнее десятилетие жизни Веласкес создал три самых известных своих произведения. «Венера с зеркалом» - первое в испанском искусстве того времени изображение обнажен­ного женского тела. Венера написана со спины, в зеркале отражается ее простое милое лицо. Множество оттенков розового и золотистого лепят объем прекрасного обнаженного тела, растворяющегося в как будто насыщенной воз­духом среде.

Предметы как бы купаются в солнечном свете в другой знаме­нитой картине Веласкеса - «Менины» (фрейлины). «Менины» - это, по сути, групповой портрет. Композиция усложнена тем, что в ней объединены черты жанровой картины и группового портрета.

Третье из последних произведений Веласкеса - «Пряхи». Это также жанровая картина, поданная монументально. На полотне изображена шпалерная мастерская, в которую пришли придворные дамы, чтобы полюбоваться на искусство прях. Веласкес воссоздает атмосферу труда, творящего искусство, и вся картина, в которой реальность каждодневного переплетения с вечностью мифа, вдруг оказывается прославлением самого искусства.

Веласкес умер неожиданно. Его влияние на все последующее искусство огромно.

Самым крупным художником второй половины XVII столетия был младший современник Веласкеса - Бартоломео Эстебан Мурильо (1618-1682), один из основателей, а затем президент Севильской Академии художеств. Его изображения «Мадонны с мла­денцем», «Вознесения мадонны», «Непорочного зачатия», «Снятого семейства», в которых поэтичность нередко переходите в слащавость, снискали ему европейскую славу, равно как и изображения детей улицы, мальчишек в поэтических лохмотьях («Мальчике собакой»).

В архитектуре Испании XVII в исконно национальные черты переплелись с элементами мавританского зодчества и с традициями народного ремесла. Если построенный во второй половине XVI в. Эскориал - дворец, полу-крепость – полу-монастырь, тяжеловесный памятник испанского абсолютизма, верен еще традициям итальян­ского Ренессанса, то произведения XVII в. полны уже духа барочной эпохи.

От стиля «платереско» (ювелирный, филигранный), в котором декоративизм форм, идущий от мавританского искусства, сочета­йся с конструктивными элементами Возрождения, архитектура XVII в. переходит к большей праздничности, нарядности, пышной орнаментике стиля «чурригереск» (по имени архитектора Чурригер).

Скульптура пышным ковром украшает фасады и особенно порталы испанских архитектурных сооружений. Но в целом испан­ская пластика значительно раньше архитектуры вступает на путь самостоятельного развития. Это прежде всего деревянные культо­вые произведения, статуи святых, раскрашенные в естественные тона. Иногда руки и ноги таких статуй делались на шарнирах, волосы были естественными, в глаза вставлялись стекла. В статуях много от готической скульптуры не только в технике и приемах изображения, но в общем выражении, в религиозной экзальтации. Лучшие из мастеров умели, однако, избегнуть и ложной патетики, и откровенного натурализма, как, например, севильский скульптор Хуан Мартинес Монтаньес.

С конца XVII в. изобразительное искусство Испании переживает упадок. В XVIII в. Испания не дает ни одного сколько-нибудь значительного художника, вплоть до конца века, когда появляется Гойя и испанское искусство с его именем вновь обретает общеев­ропейскую известность.